不單是動畫，即使是普通的文學、舞台劇，「死」這種演出主題或是演出方式一點都不新鮮。莎士比亞的作品總是與死相隨、中國文學當中以死表現戰爭也有並不罕見、織田信長最愛的詞句也是與死直表相連。在動畫漫畫方面，早早在手塚時代已經是一而再再而三地對生死的問題進行探索，富野、吉卜力時代更是直面死亡問題。就算是二千年代，非少年漫畫、小說、機人動畫、政治動畫，死亡的演出都有很濃厚的著墨。然而到了二千後，因為女性市場的崛起、jump對漫畫市場的佔有從而對漫畫的觀眾層向下收縮，使到「輕鬆」成為動漫業的時代方向。死亡表現不再受到重視、角色不再面對生死問題，成為了這個年代的常識。可惜的是，不識相的虛淵玄筆下寫出了魔法少女小圓，讓整個動漫業生態再次受到動搖。到底，現在應該怎樣看待作品中所表現出來的死？是不是又有人死就等於有亮點，有亮點就會好看好賣？
在這裡先簡單定義一下，咱說的死亡到底是什麼。咱現在所指定，死亡的表現方式：
一，只限於動畫上，對於漫畫、小說是不會談及，這兩個媒體的表現情況是完全不同；
二，死亡的表現指的是「能夠帶動劇情的角色作出永久性退場」，死了復生、路人為了顯示主角有多厲害被吹飛，等等類似情況一律都不計算在內。
日本最早年的動畫，除了由美國進口的、在美國輸入技術的藝術作品，比較普遍見到的，便是日本的軍方製作的動畫，也就是第二次世界大戰的時期。實際上被現代人重視的動畫界始祖級人馬手塚治虫，小時候也是看這一類動畫長大。既然是軍方製作的動畫，自然和死亡有相當濃厚的關聯性，而看這一些動畫長大的手塚筆下的作品，也和死亡提材有關。但是不同於軍隊製作的動畫，對於死亡有正面的渲染性，手塚著名的兩套作品，火之鳥和
其後，在手塚的60年代過後，由東映動畫走出來的吉卜力一眾，在70、80年代開始製作電影動畫（70年代比較多代表的是漫畫作品，動畫在這段時間以改編為主，表現尚未獨當一面），比方說是改編自小說，嚴肅描寫戰爭期間的日本平民－螢火蟲之墓、不是你死就是我亡的不正常人類與自然描寫的もののけ姫（不要問咱中文譯名，翻譯的不知吃錯什麼），或者已經稀釋了當年手塚對於生死題材的執著，但是就算不是直接描寫死亡，在題材演出上，依然會大量使用死亡來表現主題性－戰爭、自然。
。當年Air最讓咱受驚的一幕，不過當時還少，都是看不懂。
而當時間進入九十年代，開始發生作用有兩個，一是1995的新世紀福音戰士（EVA）以及1996、1997年的三套劇場版、二是作品的跨媒體發達。前者，同樣是由吉卜力體系出來的奄野秀明，作品以沒經歷過戰爭的新世代和舊世代的衝擊，描寫角色心理，而作品手法大量使用意識流、暗示性畫面，而作品風格和八十年代劃分成開始對於官能刺激有所追求，而角色的死亡方式開始由為作品帶出主題，漸漸變成單純對觀眾的一種衝擊。比方說對比舊版和新劇場版的差別，如說冬二的重傷在動畫版中是接近沒有意義（漫畫版是死亡），在新劇場版也改換了下場（雖然也是死）；在Air中受重傷（但是二號機的表現完全是死亡）的明日香，強調出死亡的過程。雖然還是能夠從作品讀出當中的含意，但是對於非長時間研究動畫的人來說，畫面的衝擊遠遠大於作品的內涵，使到動畫和市場之間的平衡開始改變。
而另一個，是多媒體創作的成熟化，不單單是小說、動畫會互相連結，漫畫、甚至新興的媒體－輕小說也加入，讓動畫的受眾群急速擴大，而且電視機的普及化，讓中產階層以下的人也開始接觸動畫，使到整個市場向著2000年代的近代動畫市場發展，沉鬱、重思考性的生死題材開始慢慢由喜劇、官感刺激為主的作品所取代。
2000年代，也就是現在比較多人認識的動畫世代。這個世代的動畫相比起90年代開始大量發展原創動畫不一樣，跨媒體動畫成了動畫的主流發展。尤其有代表性的，就是jump周刊大量改編成的動畫。jump是著名相當重視回應讀者市場的周刊，加上受眾大多是輕少年，暴力、死亡表現開始急速的收縮，改由興趣、官能刺激為主導，而有動畫代的代表就像是ES21、棋魂、BLECAH、ONEPIECE、草莓100%等等，可說是完全不再採用死亡的題材，又或是角色的永久退場就等同於漫畫（動畫）的終結。而當時一般讀者的心態簡而言之就是想「一直看下去」，對於死亡的表現愈來愈是迴避，也就是死亡表現最淡的時期。
而到了2010年代，一位由遊戲劇本界轉戰過來，成為近這四年來一直受到影響的人物－虛淵玄的作品－魔法少女小圓的推出，又成為了死亡表現再次復甦的契機。作品中透過死亡，表現希望與絕望的輪迴，尤其以第三集巴麻美的「麻美了」畫面最令人印象深刻。正正因為這套作品的死亡表現帶來了市場的良性影響，使到自此作推出以後，死亡的動畫禁忌從此被解放。比方說是追逐幻影的太陽、戰姬絕唱、進擊的巨人、火星異種、psycho-pass2等（在此不列出其他媒體受到影響的狀態，因為比起動畫，漫畫、遊戲、小說來看死亡的題材和表現不像動畫被中斷過）。
從這段簡單的日本動畫歷史可以看到，日本動畫談論生死問題是從很久以前就開始，只不過是中間一度被淡化而已。但是日本動畫對於生死的議題，在這幾十年間還是有了不少的變化。像是最開始就提及到，自手塚時代，生與死的問題就已經是動畫的核心部份；但相對到了近代像EVA，生與死就另外增添了官能刺激的元素；而到了現代，死亡在某一些作品之更成了為了催告市場而存在的效果之一。
一個頗為明顯的例子：人類衰退之後的動畫版。首一集，正正就是用了童話手法表現「血」、「死亡」，來提高市場對這套完全是冷門作品的接受程度。但為此，而強硬扭曲了作品的時序，成為動畫版一個很大的敗筆。可見，到了現代，為了官能刺激，死亡的表現多少已經是粗製濫造。另一個更為明顯的例子，進擊的巨人。個人評價這套作品的死亡表現，只不過是人體奧妙展的程度，並沒有對生死作出了任何描寫，也不是想透過生死去表現什麼。其實這樣說進擊的巨人有點不好意思，實際上此作與2000年後的所謂血腥、暴力動畫有部份都是這個樣子。死亡表現有如萌元素一樣，存在的本質就只是為了吸納更多的觀眾，這樣的認識，間接使用動畫的內涵性走下坡，2000年代出現那麼多單純只是血腥暴力，但內容貧乏作品的原因，不和市場影響無關。
嘛，當然，就算是同年代，亦有不少描述生死相當出色的作品（不過大部份都是改編作品而非動畫原創）。像是以前寫過的Black lagoon，在描述角色死亡時，很多時候主角也會在場，從而衝擊作為都市人代表的主角內心的生命價值觀，到了動畫最後，或是OVA的時候表現出主角內心的變化，描繪出黑暗世界的殘酷。這類作品還是會相當擅長使用死亡的過程，來表現出作品、角色的核心。這類作品大多數還存在著90年代的動畫作品當中，擅長使用死亡來表現的風格，又或是像早年黑富野時代的V高達、無敵超人珍寶3那類，對於死亡直接的描繪。不過說到底，這類作品和80、90年代不一樣，因為市場向外擴張，加上孩童的加入以致家長對於動畫作品的健全性重視，導致這類作品不是被邊緣化就是成為冷門，這也的確是2000年代的動畫生態。
。V Gundam的名場名之一：母さんです
一個相當著名的例子－Another（只限動畫版）。作品中，有頭有面的角色會死亡是相當平常的事，但是角色的死亡不但沒有為作品帶來緊張感，死亡的形式已經是為了製造死亡事件而存在。死亡比起2000年代，像荷李活特技片一樣，單純是為了吸引眼球，再退一步成為了作品必備元素，部份的作品欠缺對於死亡的因由、經過的描寫，而在沒有必要的情況下製造死亡表現。這個問題直到現在，還是一直的存在。
那，怎樣才是良好的死亡表現方式？或者在動畫會比較難發展，咱們試試動另一些媒體找答案－漫畫。有一段時間，剛剛好是jump的三部人氣漫畫的老人角色死亡，不過BLECAH咱沒有看（應該說嘗試過數十回就放棄了），就以ONE PIECE和HUNTER兩套作品的白鬍子和尼特羅來簡單說一說。
ONE PIECE的白鬍子是典型的熱血戰鬥漫畫中的死亡方式，死亡在故事當中，是為了造就一個時代的完結，同時造就一個新時代的開始。以這種角度來看，死亡就要表現出舊時代被淘汰，而新時代取代之。而白鬅子的死因是為了部隊殿後而戰死，這樣看來，的確有熱血漫畫的熱血成份，但是再深思一層，這樣就應該把這個角色退場嗎？上面也提到，這個角色的死亡是為了把時代交替營造出來，那舊時代被新時代所超越，就應該是這個角色死亡的主因。但就這個角色的死亡來看，交手的不單都是老一輩，而且白鬍子也不是被打敗，只不過是壽命終結罷了。在整套作品來看，只能夠看見舊時代的強大，遺留下來的不過是舊時代壓抑著的東西，說到底世代還是沒有因此而做到交替效果，那，這個死亡就是做得不出色。
而在看HUNTER時，尼特羅的死是為了造出種族間的差異，和人類無止境的惡意而死。尼特羅在整個過程當中，就是在表現著「絕望」。這無論是在和王的戰鬥當中，還是說在最後死於人類的惡意當中，也就是描述著尼特羅並沒有選擇的餘地。雖然當時有不少評論都認為，尼特羅死得比白鬍子難看，但正正就是這種難看，才能夠表現出作品對於某一種情感描繪的具體。那這樣的描寫，才算是成功。
嘛，死亡的描寫其實還有很多種類和形式，只是一一詳談的話，可能真的要把論文都寫出來。但結論來看，死亡的表象其實沒有想像中重要，就算是在手塚時代，死亡也不常見於直接表現。到底為什麼要死亡，死亡又代表著什麼含意，才是死亡表現最應該留意的地方。但是就以近年的動畫作品來看，真正造得到的，實在少之又少。
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